De vueltas con Rank Uiller, ahora hablando del séptimo arte.

A mi padre, que ahora es eternamente joven
porque no existen ángeles viejos.





Conversar con Rank Uiller a veces se vuelve un pecado, sientes que puedes husmear en las leyes ocultas de la creación, en lo infinito y desafiar las leyes de los dioses, nada humano le es ajeno y yo añado y divino tampoco, te pierdes por los senderos de la filosofía, de la sociología, del materialismo, del espiritualismo, de los filósofos antiguos a los contemporáneos y terminas diciéndote ¿Dónde estaba este cubano de origen polaco para sacarle tanto a la vida y al conocimiento?
Hoy nos iremos al cine, a un cine donde desde una luneta virtual mi entrevistado nos irá mostrando al mundo de la postmodernidad, una forma de acercarnos a la realidad de nuestros días, desentrañar la historia a través del arte porque comentaremos obras que nos descubren en el concierto de la humanidad, nuestros sentimientos, emociones, conductas, estados de ánimos, conflictos sociales e individuales, mundos sórdidos , mundos rosas, sexo, sangre, homosexualidad y muerte, donde el artista se hace eco del sentir de la humanidad, es el caso de los realizadores seleccionados y sus películas que iremos sacando del celuloide y las desmenuzamos con nuestro invitado.

¿Cuándo comenzó tu atracción por el cine? ¿Cuáles fueron las primeras películas?

Gini, empecé a considerar el cine con la comedia silente, me fascinaba de niño ver a Chaplin y soñaba con ser realizador, me interesó mucho el cine silente y la llamada comedia silente que Armando Calderón, le ponía voz todavía hoy me parece fascinante, como nunca fui a misa nuestra misa era La Comedia Silente así aprendí de cine mudo que hasta el día de hoy me gusta, así aprendí de los hermanos Lumiere, y la llegada del tren la primera proyección cinematográfica y de Edison con el llamado kinescopio. Después vinieron otras películas silentes que fui viendo con tiempo como La carreta fantasma de 1921, dirigida por Víctor Sjöström y protagonizada por Víctor Sjöström, que me impresionó con el gusto que está hecha, Metrópolis del 1927 otra genialidad dirigida por Fritz Lang, algunas cosas del cine mexicano, donde había cosas dirigidas por franceses como Gabriel Veyre y otros americanos que trabajaron en México como Acción de Mathewson y la historia de Pancho Villa, cosas así que podíamos ver que teníamos en Cuba. A eso le siguió cine del hogar con los 40 y 50s, el cine de oro Argentino (30-50) con el filme El viejo Hucha, y las películas clásicas de Norteamérica como El Halcón Maltes del 1941 por John Houston, Vértigo de Hitchcock, hasta pasar por, El puente sobre el río Kwai de David Niven, En Cuba se veía muy buen cine.


Tenemos en común que los dos fuimos alumnos de Mario Rodríguez Alemán, cuéntame si tienes deuda cinéfila con el crítico de cine que enseñó a muchos cubanos.


 Nunca fui su alumno formal habiendo tenido interés por el cine tuve su libro La Sala Oscura y fui a oír sus conferencias sobre cine en cinemateca siempre que pude entonces yo era estudiante de arte en San Alejandro y nuestro querido profesor Alejo de Historia del arte nos inclinaba a que fuéramos a oírlo, también por aquel entonces mi amiga Concha Bouza una conocedora y cinéfila me influenció mucho por su amor al cine entendí mas lo que veía y por supuesto Mario Rodríguez Alemán me abrió el entendimiento al lenguaje cinematográfico del visual en el libreto o guión.

Creí que me habías dicho que sí, yo lo fui por dos años.
 Seguimos hablando de cine con Rank Uiller y una película, Querelle de Rainer Werner Fassbinder (1945-1982) el más importante representante del nuevo cine alemán.

¿Crees que el autor arrastra de alguna manera la angustia existencial que dejó la II Guerra Mundial y nos la recrea desde la dualidad fáustica de la que no pueden escapar los discípulos de Goethe?

Fassbinder empezó a firmar muy joven con 21 años, parece que siempre supo que no existiría por mucho tiempo y nos dejó un legado increíble sobre treinta y tantas películas en 15 años de filmación, Querelle es una película de sus últimos filmes la hizo en el 1982 y se estrenó después de su muerte, está basada en una novela del mismo nombre Querelle de Brest de una autor francés Jean Genet premiada en el 1947, la adaptación cinematográfica no toca en lo absoluto la guerra es más bien un estudio psicológico de sus personajes donde se ven dobles y trata la apología de los opuestos el amor y el odio, Querelle pacta con el Diablo y rebela su verdadera personalidad en el transcurso del film, trata todo, marinero, ladrón, asesino y finalmente liberado homosexual hace un recorrido por todo y su manifiesto No te equivoques, yo no soy homosexual (fairy), lo conduce a la negación de quien será y todo esto mientras Lysiane (Moreau) canta, cada hombre mata lo que ama. No veo en el filme nada del efecto de la post guerra en la sociedad si consideras la novela que presta el guion a la película de Fassbinder, esa es una de esas películas la cual puedes ver después de leer la obra y la ves superior al libro.

Pensé en las secuelas sicológicas dentro de los personajes que se crean un mundo de paroxismos, excesos, sexo con violencia, aunque sea la concepción del autor, tomada de la novela francesa, él la lleva a otro escenario. Muy buena tu respuesta.

¿Crees que el tema de la homosexualidad de los personajes está tratado como una problemática social, algo atrevido para la época donde la homosexualidad era vista como un trastorno de la personalidad o simplemente es el mundo íntimo de sus personajes que entran en crisis con la sociedad y el tiempo que les tocó vivir?


Creo que el tema de la homosexualidad está tratado dentro del personaje que bien pudiera ser no homosexual aquí, en realidad no se trata de un atrevimiento del autor y después del realizado, creo que tiene que ver con el desarrollo personal como individuo o personaje en su viaje interior.

Me gusta el morbo que se crea entre lo prohibido por muchos y lo no prohibido, lo que está en el pecado y lo que el mundo da la absolución.

Pero Gini esta es la concepción de como el escritor vio su personaje, no es exactamente un recreo del homosexualismo sino más bien el viaje desde el interior al exterior de un personaje que vive en nuestro siglo en plena Europa.


A mi si me parece un canto a la homosexualidad, a la belleza masculina, un desdoblamiento de la personalidad en ese viaje desde el interior de los personajes, la película no lograría estremecernos como lo hace sin el tema de la homosexualidad, un verdadero desafío a la ética de la época, las escenas transcurren lentas, hay un regodeo por mostrar a los atractivos varones en el disfruté de la pasión, pasión que se paga con sangre, con maltratos, no hay amor hay sexo y morbosidad.

¿Te has sentido atraído por un alguien de tu mismo sexo? ¿Has tenido alguna relación homosexual?

 No, nunca me ha pasado hasta ahora no he tenido experiencias ni sentimientos mezclados respecto a mi sexualidad-
No tampoco he tenido ninguna relación homosexual hasta hoy en día pienso que para ser homosexual Gini tienes que sentirlo
No creo que sea algo que puedes agregar a tu personalidad, creo que eso es lo mejor que tienen el homosexualismo que tienes que sentirlo tuyo.


Me gustaría me hablaras del lenguaje cinematográfico y la música en la película. A mí en particular la canción de Jeanne Moreau fue como un leitmotiv a lo largo del filme, se te queda clavada en el oído y vas sintiendo los acontecimientos desde la melodía sugerente y sensual que te arrastra a las escenas más terribles bailando con la pareja y casi tarareando la canción.



El lenguaje es teatral, es más teatral que cinematográfico, es una manera de trabajar seleccionada por él para establecer todavía más intimidad entre actores y público, te sientes más cerca de los actores cuando vas al teatro y los puedes ver y oír que cuando vas al cine, su adaptación se siente sub-real en contra al libro que todo es ensoñado y también más abstracto, sus sets en la película recuerdan al pintor George Quaintance aquel pintor que murió por la misma época en el 1957 y que pintaba al óleo esos cuadros de hombres musculosos norteamericanos.

Voy en busca de otro género del cine, el cortometraje y uno que marcó a todos los públicos y recibió premios y galardones. ¿Adivinas?


Le Ballon Rouge ¿Te gusta? 34 minutos de pura fantasía lo que se llamó poesía fílmica.

Me fascina, así, solo así, un regalo a la poesía visual y al buen gusto por el cine...

Albert Lamorisse que fantástico me impresiona que hasta hoy no se quién juega con quien, si el balón con el niño o el niño con el balón. Es tan interesante ver cómo un niño se mete en líos en la escuela por jugar con su balón y lo hace su dueño, cuando las cosas cogen conciencia un juego interesante, el balón cobra vida y sale en la ayuda del niño, pura poética, Gini. Creo que ese es el hijo del director y el film es un grito a la belleza de la edad del niño y de toda la infancia que perderemos para siempre pero que se queda dentro de ti, casi silente cogió un Oscar por originalidad.
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Ganó el Oscar 1956 a mejor guión original y la Palma de Oro a mejor corto en el Festival de Cannes.

También tienes que considerar que el globo, la cámara descriptiva que lo sigue nos enseña Paris y su cielo, un film que nos enseña el cielo, con una banda sonora increíble, y sin nunca ver cómo mueven el globo.

Rank, casi todos ven en el Balón rojo una película infantil , un sueño , un canto a la amistad, una gran metáfora en versos perfectos, sin a penas necesidad de textos en una simbiosis perfecta entre el niño y el balón, como tú  muy bien describes, sin embargo leí que algunos la han considerado un discurso político que en cierta forma me recuerda a tu serie del TV  de como podemos influir en la mente de los demás, tal vez el color rojo, que sé yo,  quiero tu opinión.

Bueno entre otras cosas tienes que considerar el miedo al comunismo en Europa y el símbolo del globo rojo, también a considerar que cuiden a los niños del mal que hay en lo rojo acuérdate que al final salen miles de globos de otros colores algo así como un poema de Vallejo en que el hombre muerto no se levanta hasta que todos unan una sola voz y le pidan unánimemente que se levante, el globo rojo es muy aleccionador está sacado desde el neorrealismo mágico con una gran dosis de fantasía y casi la magia del cine mudo, el globo es el símbolo de una utopía, el triunfo del bien sobre el mal y el final que la vida es maravillosa, si se sabe vivir con fantasía y poesía.

Gracias amigo, me veo con un montón de globos de todos los colores evocando la maravilla del cine y su lenguaje mudo y elocuente. Sí, te doy la razón la comedia silente la llevaremos siempre acurrucada a nuestra alma, desde ella aprendimos a disfrutar del buen cine.

Ok déjame decirte Gini, que el globo rojo lo han tachado de arte de propaganda por el simple hecho de los juegos de colores que se asocian al comunismo y al capitalismo en realidad hay más que eso si es cierto que la simbología usa un poco con virtud el color pero no es en lo más mínimo un tratado o manifiesto político, el verde nos da la infancia, el gris las emociones plenas, el rosa es la poesía, el amarillo, la tristeza, el azul el futuro próspero, el blanco la esperanza, el rojo la rebeldía, no recuerdo si hay globo negros pero imagino que no como no existen ángeles negros tampoco en la pintura clásica.


 Pero en la pintura indígena del barroco de Indias si hay ángeles negros también indios, gracias por todo. Hablaba de un discurso político y un poco, lo comparaba con lo que haces desde tu serie del TV. No me contestaste sobre esto. ¿Coincidimos o no con respecto a tu serie?

Si básicamente es el mismo principio, entregar el mensaje subliminal dentro de un espacio rico en belleza de maneras que el espectador sin saberlo adore el mensaje inconscientemente
-dije clásica.

Desde luego, mi erudito invitado no lo contradigo, usted fascina cuando habla de cine y estamos como en un sueño jjaja quise añadir eso del Barroco de Indias, me lo hiciste recordar.
Rank, me gustaría preguntarte acerca de un cineasta y escritor chileno de gran relevancia en el mundo del cine contemporáneo. Mi primera pregunta sobre su mediometraje, La maleta, Chile 1963, 40 min.
¿Vivió Raúl Ruiz dentro de su maleta en su exilio o salió a la luz con su obra laberíntica de mundos disimiles, en un mundo ecléctico, a veces incomprensible, donde nada es estable?

Empezaré diciéndote que Raúl Ruiz es el director de cine chileno más importante de todos los tiempos, acaba de morir en París donde filmaría y pasaría gran parte de su vida, la maleta de carácter surrealista fue su primera obra en cine, su primer abordaje ya había antes escrito mucho teatro, partiendo de ahí te diré que en la maleta trata el tema del hombre en su búsqueda constante de la verdad desde el punto de vista de un joven cineasta, la realiza solo con 18 años, la película tiene la dicotomía de dos hombres el aspecto dual de como siempre en uno hay dos, el significado del signo en el cine, su originalidad exacta está en que la concibió como una obra de teatro originalmente y su escenografía apunta tal cual. En la maleta hay una búsqueda constante del hombre, en su visión joven de director y del teatrista, como si hubiese sabido que años después se tendría que exiliar a París, así en la maleta ya existe esa desvinculación aparente después más real en su obra del desprendimiento del hombre y lo material.


 Si yo creo que Ruiz pudo hacer lo que quiso hacer y vivió un exilio que no lo contuvo de seguir trabajando. Volviendo a la maleta usa un recurso en el cual el hombre parece reinventarse, como diría años después muy accidentalmente en su realidad de ahí que tome un mito griego la metamorphosis. Pero adueñado de la isla Chiloé y desarrolle el guión con ese carácter de la etnicidad relación con el ethos del hombre que vive en una cultura y sus significados. Yo la vi completamente hace poco, siempre la había visto inconclusa, aunque todavía esta inconclusa.

¿Logra a pesar de lo que digo anteriormente crearnos emociones universales y verdaderas obras artísticas?

Si ,Gini y mucho, muchísimo su obra es genial es el signo, es la poética en el cine, en la descontrucción de sus obras te das cuentas de su grandeza como director, él se aparta en el cine latinoamericano de la influencia del cine norteamericano, tiene un lenguaje propio y lleno de poesía y prismas que lo definen como alteridad e identidad cultural, por ejemplo en su cine hay una rebeldía a la jerarquía Hegemónica: (aquel que tiene el mayor poder económico) que se pone de manifiesto , en contra a la teoría de conflicto central donde tú quieres tener algo y alguien a tu alrededor no quiere que lo tengas, la llamada teoría prestadora tan popularizada por la exportación del cine norteamericano, el cual evade cualquier relación que pueda existir en el entorno de los personajes, algunos lo han comparado con los más grandes cineastas franceses como Rohmer, Godard u otros a Bresson. Su cine se puede definir como un gran cine de paradojas, destructor de la película convencional norteamericana de modelo neoliberal en el cine, donde todo gira en función del conflicto central. Su lenguaje un poco antropológico desarrollando la memoria colectiva en contra de la ignorancia implantada, descompone el relato a pedazos y desordena la historia para ordenar paulatinamente su realidad, hace un cine donde el medio artístico es el ojo y su capacidad de encuadrar poéticamente más importante que ningún recurso de actuación.

 Gracias, Rank Uiller, por responder con tanta bondad y sabiduría a mis preguntas.
Continuaremos conversando con este amigo fabuloso que nos llevará a recorrer el mundo del cine esta vez desde España, Francia y lo que se nos ocurra preguntarle porque para todo tiene una respuesta este inteligentísimo compatriota, porque es un cubano de pura cepa.

Agradecimientos:

A Rank porque me ha hecho regresar al aula, he vuelto a soñar desde sus respuestas maravillosas, espero que a mis lectores les suceda lo mismo. Nos volveremos a ver aquí en esta sala virtual con mi invitado de honor.


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